21 de febrero de 2011

PIRAÑA / PIRANHA 2010

PIRANHA (3D) de Alejandre Aja, EEUU, 2010

BAÑO DE SANGRE

El cine también se embarcó en el afán de recuperar los ochenta. Con todo, incluidas las pirañas. El director francés de ALTA TENSIÓN entró a Hollywood con la misión de recuperar clásicos de serie B. Lo hizo con LAS COLINAS TIENEN OJOS de Wes Craven, y ahora lo ratificó con la saga acuática iniciada por Joe Dante y el mismísimo James “Avatar” Cameron.

Aja acierta. Da en la diana. No sólo en la actualización de la franquicia, el uso discriminado de efectos especiales y la versión 3D. Lo hace de forma apasionada, respetando las directrices que marca el género, y con un objetivo claro: el puro entretenimiento. Para ello, se hace servir de la comedia veraniega teenager, el gore desenfrenado y salvaje, ritmo, diversión gamberra y el homenaje (apariciones estelares de Richard Dreyfuss y Christopher Lloyd) a clásicos contemporáneos.

La piraña fue, es y será la respuesta desvergonzada de TIBURON (1975), obra maestra de Spielberg. Dante dirigía tres años después PIRANHA. Steven Spielberg propuso a finales de los 70 el cine como espectáculo, y los 80 respondieron con todo tipo de productos. Con el tutelaje del mismo Spielberg se estrenaron GREMLINS de Joe Dante y REGRESO AL FUTURO de Robert Zemeckis. Pero toda propuesta tiene su cara B.

Ese lado alternativo dirigió su mirada a productos de bajo presupuesto e izó el género de terror y/ó fantástico como bandera. LA MATANZA DE TEXAS (1974) de Tobe Hooper fue el germen. El mismo Hooper dirigiría tiempo después POLTERGEIST para Amblin. A partir de ahí, diversión asegurada con propuestas de Wes Craven ó John Carpenter. La fórmula funcionó. Generó un público que apostaba por este tipo de películas y que posibilitaron sagas interminables. La revisión de este cine llegó en la última década, esta vez, con una veta puramente comercial. Y se sigue insistiendo.

La versión de PIRANHA de 2010, tiene todo lo que un amante del género quiere y que, por desgracia, no encontraba hace tiempo en el cine (quizás con la excepción de DESTINO FINAL). No escatima en ofrecer una aventura sin parangón, con una apertura a lo grande (Dreyfuss) y un epílogo contundente (Lloyd). En el medio, mucha sangre. Hacía tiempo que se veía tal baño, nunca mejor dicho, de sangre en pantalla. Se nota que Aja también le tiene afecto a BRAINDEAD de Peter Jackson.

En la película de Aja planea esa corrosiva visión crítica de la sociedad que nos rodea, como característica intrínseca al género de terror. Plantea el castigo superlativo de todos esos chicos que contornean sus cuerpos a la orilla del balneario haciendo caso omiso a las advertencias de la autoridad; también a aquellos que promueven el sexo superficial como negocio y a las chicas objeto; incluso a la mamá que descuida a sus hijos por el trabajo. Todos reciben su “merecido” correctivo.

La propuesta de Aja, apunta a secuela, que junto a DEPREDADORES de Nimród Antal con producción del mexicano Robert Rodríguez (otro que encontró la inspiración en los 80, dícese PLANET TERROR), devolvieron la dignidad a un género maltrecho en los últimos tiempos con tanta tecnología. Un grito sacude la platea de los cines: ¡Más sangre y menos juegos del miedo!

16 de febrero de 2011

THE FIGHTER

EL GANADOR (ARG) de David O. Russell, EEUU, 2010

Cinco minutos. Más o menos. Pasaron los títulos de crédito, pacientemente salimos de la sala de cine y nos incorporamos al mundanal ruido de la ciudad. Dos cuadras después, alguno hace la pregunta que los dos esperan. Como un ritual, se empiezan a encadenar palabras, sentencias, argumentos. A veces, lugares comunes; en otras, el ejercicio de la discrepancia. Por suerte.

A: ¿Y qué te ha parecido la película?
J: No me ha gustado.
A: ¿Cómo? No me digas…
J: ¿A ti sí?
A: Sí, incluso me ha sorprendido.
J: Me molesta cómo Hollywood introdujo la narrativa televisiva en todos sus productos. A modo de muestra, dos películas más nominadas a Oscar: EL DISCURSO DEL REY y TEMPLE DE ACERO. Primerísimos planos en todas ellas que facilitan, supongo, el visionado en pantallas de LCD en el salón de estar.
A: Coincido contigo. Hablando de Oscar, todas éstas juntas no superan a TOY STORY 3.
J: Fíjate, la de Pixar tiene una concepción puramente cinematográfica. El último plano de la película tiene más cine, intensidad y emoción que esta película.
A: Consideremos que se trata de una película del montón. Pero, por otro lado, tiene cosas que la hacen atractiva…
J: La actuación de Bale…
A: Por ejemplo. Increíble que Bale esté nominado para mejor actor secundario. ¿Los académicos no se dieron cuenta que es el protagonista? Lo del boxeo es sólo el pretexto, lo que cuenta es la otra historia. Ya desde el plano inicial, el primero que sale en pantalla es Dicky.
J: Más televisión.
A: ¿Cómo?
J: Por momentos parece una sitcom. La caracterización de los personajes, con todo lo que se ha dicho de familia disfuncional, cae en la parodia. El director quiso componer una obra tipo Wes Anderson y se quedó a medio camino.
A: Quizás…
J: ¿Y quieres más televisión? Lo de filmar los combates de boxeo como si de una retransmisión televisiva se tratara. Patético.
A: ¿Te parece? Para mí es una de las cosas más originales y que rompen con lo ya visto anteriormente. Ya con la referencia al documental de HBO dedicado a la vida de Dicky, el director te plantea que lo que vemos forma parte de un documento…
J: …Y lo de la historia “basada en hechos reales”.
A: Lo interesante es que propone el cambio de perspectiva desde el primer momento.
J: Si ya te lo decía yo. Los de Hollywood se encapricharon en hacer televisión. ¡Voy al cine a ver cine! Ah, me olvidaba, impresentable la cámara lenta en el tramo final del último combate. El director grita al público: “Señores, no se preocupen, ¡ahora gana Micky!”. El mismo tipo de narrativa televisiva que vemos en series y sucedáneos.
A: Ejem… y si comemos algo.
J: ¡Vale! ¡Qué linda Amy!

11 de febrero de 2011

WINTER'S BONE

LAZOS DE SANGRE (ARG) de Debra Granik, EEUU, 2010

Ya tenemos la “sana” cuota de cine independiente en la torta de los Oscar. Se llama WINTER’S BONE y la dirige una mujer. Sin el escaparate del galardón hollywoodiense no sabríamos nada de nada de esta película. A partir de aquí cualquier espectador ávido de cine comercial, participará de la ceremonia de visionado de todo aquello que tenga que ver con la alfombra roja.

Podríamos reabrir el debate sobre qué se considera como cine independiente, tanto en decisión política, presupuesto y distribución. Incluso, qué canales se abren, afortunadamente, para este tipo de realizaciones. WINTER’S BONE está alejado de este tipo de definición en cuanto presupuesto y distribución. Quizás su supuesta independencia esté fijada en su temática: la sociedad matriarcal ó, dicho de otra forma, el mando reside en las mujeres. Tema a años luz de lo visto en pantalla en los últimos tiempos en el cine de la industria norteamericana.

En la película de Granik la mujer es el centro. ¿Dónde? En un Estados Unidos desconocido. Ámbito rural, recóndito, profundo, muy adentro en las entrañas de un país. El mismo lugar que nos mostraba DELIVERANCE pero, esta vez, se muestra a la mujer y el papel crucial que juega.

Los hombres están ausentes, desdibujados. Desconocidos, incluso, ocultos, como muestra la trama de la película. Las que toman las decisiones son las mujeres y, en cualquier caso, reestablecen el conflicto causado por el hombre. Para demostrarnos este hecho, conocemos la historia de Ree, interpretada por Jennifer Lawrence, en primera persona. Un viaje por ese mundo en el que debe descubrir el paradero de su padre. Una situación límite de la cuál el espectador no puede escapar. Ese viaje traumático y, al mismo tiempo, camino transformador como catarsis.

Lo que se nos cuenta en WINTER’S BONE transita en la tensión entre lo dramático y lo violento. A mi modo de ver ésa, quizás, sea la mejor virtud de la película. El clímax siempre está al borde de la explosión. Como apuntaba en el anterior párrafo la mujer trata, por todos los medios, que el conflicto no se desborde. Mientras tanto, el suspense agobia al espectador que en ningún momento sabe hacia que derroteros va la película. Todo un acierto.

Al final, Debra Granik, la directora, en los últimos planos nos regala poesía después de tanto drama. El espectador lo agradece. Una poesía que transmite esperanza. Poesía que nos demuestra, una vez más, que el western, como género, está presente en historias contemporáneas que parecen de ayer.

8 de febrero de 2011

EL AMERICANO

EL AMERICANO de Anton Corbijn, EEUU, 2010


Empiezo a no aguantar más a George Clooney en pantalla, cada vez más cabezón y con pretensiones de actor serio. En esta película dicha impresión se acentúa en el momento en que el bueno de Clooney adopta la cara de secreto durante todo el metraje. Insoportable. Clooney que de tonto no tiene un pelo, hay que ver su filmografía como director, se rodea de dos desconocidas con prometedoras carreras: Irina Björklund (es Ingrid, sueca-rubia-asesina-mala) y Violante Placido (es Clara, italiana-morena-prostituta-buena).

Empiezo a no aguantar más a los directores noveles (ésta es su segunda película, después de CONTROL) que se las dan de europeos y, como tal, sus películas deben responder a lo que los demás entienden como cine europeo. Aburrimiento. El ritmo es exageradamente lento, silencios irrisorios, planos que nos explican todo (como en el que vemos el pueblito desde el aire, a continuación un ave rapaz, sólo para explicar que alguien está al acecho de protagonista), personajes que responden a las intenciones moralistas de la película (el cura, la prostituta, la sueca…todos guardan un secreto). Además el protagonista se hace pasar por fotógrafo, profesión de Corbijn.

No soporto más las películas, supuestamente serias, que plantean como tema el pecado y la redención. Para ello, el recurso es presentarnos el ocaso de un asesino (título elegido en Argentina), sus cuentas pendientes y cómo no hay final feliz para los “malos”. Dos excepciones en el último cine: UNA HISTORIA DE VIOLENCIA de David Cronenberg y ESCONDIDOS EN BRUJAS de Martin McDonagh. Un par de propuestas que salen de territorios comunes y que plantean al espectador la misma temática pero desde ópticas diferentes. Al menos eso es lo mínimo que uno debería exigir cuando va al cine: que me cuenten la misma historia pero de forma diferente.

Clooney (que la produce) tenía ganas de protagonizar este tipo de película: seria-europea con redención. Corbijn, director, tenía ganas de presentarse en sociedad hollywoodiense con una producción segura que gusta en festivales serios (tuvo su presentación europea en San Sebastián, certamen en crisis). Y a mí se me terminaron las ganas.

4 de febrero de 2011

GUIA PARA REGALAR AL CINEFILO APASIONADO


Sigo recopilando ideas en la búsqueda del regalo perfecto dirigido a un enamorado, qué digo apasionado, del séptimo arte. A lo largo de esta sección se presentan dvd y libros para todos los gustos cinéfilos. Esta vez recopilamos seis propuestas singulares encontradas en la red. Si tienes alguna cosa interesante esperamos puedas compartirla a través de los comentarios. Agradecemos vuestra participación en esta búsqueda incesante. A ver:

PACK COLECCIÓN 5° ANIVERSARIO FILMOTECA FNAC
Los del FNAC lo tienen clarísimo. Llevan un lustro presentando ediciones exclusivas de películas inalcanzables en la distribución. Lo celebran a lo grande. 20 discos y 2.830 minutos de buen cine. Entre otras, películas de Huston, Fellini, Renoir, Bergman, Welles y Kiarostiami.

GUIA DE LOCACIONES
El GPS online de las locaciones de nuestras películas favoritas. Ahora que disponemos de infinidad de dispositivos móviles, podemos conectarnos desde cualquier parte del mundo y averiguar si esa postal aparece en alguna película. Y si no, uno se organiza el viajecito previamente. No olvidarse de los billetes, claro.

VIAJE A LA TIERRA MEDIA
Si la opción anterior es demasiado estresante, tenemos paquete turístico. Sale desde España y recorre los lugares de El Señor de los Anillos. Si tienes suerte incluso te encuentras con el rodaje de El Hobbit. Qué ofertón.

BOLSOS DE TERROR
¿Coincidencia ó influencia? Terrorífico, incluso más que las mismas películas en los que están basados los diseños. Tiemblo con sólo imaginar encontrarme con uno de esos bolsos en una noche oscura y fría. Pero como gustos no hay nada escrito, hagamos apología de lo bizarro. Ojo con no mojar el bolso Gremlin después de medianoche. Si no quieren bolso, aprovechen figurita.

CINE CLUB NUCLEO
El cine club con mayor trayectoria de Latinoamérica se encuentra en Buenos Aires. Se llama Núcleo. Con el abono uno tiene la opción de compartir cine en pantalla grande, clásicos y pre-estrenos, durante todo el año.

CINEXIN TOY STORY
Para el niño que llevamos dentro. Con tanto cañón de vídeo, pantalla gigante, blurays, 3D y revolución digital siempre nos quedará el Cinexín, el cine sin fin.

LAS GAFAS DE AUDREY
Lo totalmente opuesto a los bolsos de terror. Hablamos de glamour y de buen gusto. Hablamos, pues, de Audrey Hepburn. Esas gafas que hemos visto en infinidad de fotogramas es la imagen de la sensualidad y del estilo. Si tenemos alguna duda sólo hace falta ver, otra vez más, Breakfast at Tiffany’s.

1 de febrero de 2011

EL HOMBRE DE AL LADO

EL HOMBRE DE AL LADO de Mario Cohn y Gastón Duprat, ARG, 2010


El vecino, dícese el hombre de al lado, no se elige. Así reza el slogan publicitario de la película argentina dirigida por la dupla Mario Cohn y Gastón Duprat. Directores que provienen de la realización televisiva y que con su tercer largo se están haciendo un hueco en el panorama cinematográfico argentino. Lo están haciendo con un estilo particular, basado en una comedia contenida y condimentada, a partes iguales, con diálogos y gestos.

Para empezar, el cine de Cohn y Duprat tiene como tema la retórica entre forma y contenido. O mejor dicho, cómo le damos contenido a la forma. O incluso, cómo la forma inunda el contenido a tal punto que hace que se desvanezca. En conclusión, la supremacía de la forma es sinónimo de vacío en una sociedad que apuesta, sin concesiones, a la imagen, es decir, lo que vemos.

Los directores apuntan en cada una de sus películas a dicha reflexión. Empezaron con su tercera película YO, PRESIDENTE, a modo documental se entrevistan a todos los presidentes democráticos después de la última dictadura militar en Argentina. Un trabajo de despojo de la imagen pública, captando aquellos momentos más íntimos y cotidianos de los expresidentes. Siguieron con EL ARTISTA. Ficción que asiste a la deconstrucción del arte, del negocio que gira entorno a lo meramente superficial.

La imagen pública, la obra artística y, en esta última, la arquitectura ponen el foco en la forma. El conflicto aparece cuando dicha forma pesa más que el contenido. Y a qué hace referencia el concepto de contenido, lo que subyace a la forma. La (in)comunicación, las relaciones humanas, el discurso, las inquietudes, las necesidades y las emociones, por ejemplo. La forma debería ser el modo en qué el hombre expresa todas esas cosas.

En su última película aparece el conflicto disfrazado de drama doméstico. Aparece en el momento en que el hombre de al lado, dícese vecino, rompe la pared para construir una ventana. Tiene la necesidad imperiosa que entre luz a su casa, algunos de los rayos de sol que le sobran a Leonardo. Éste diseñador gráfico, el que reside en la única vivienda construida por el arquitecto francés Le Corbusier en Argentina. Demasiado nivel para acercarme a un tipo “grasa” y ponerse en su lugar. Ese hecho deriva en el conflicto personal del protagonista, punto de vista único en la película, también representado en su casa. Llena, repleta, de formas pero vacía en contenido, emociones.

El hueco en la pared contigua, a modo de medianera, actúa como detonante para mostrar el vacío de Leonardo, su fracaso. Incapaz de relacionarse con los demás, siendo el centro el deterioro en los vínculos con su mujer e hija. Otra cosa será que Leonardo reconozca su infelicidad. La esperanza es Víctor, interpretado espléndidamente por Daniel Aráoz. El personaje que mantiene, por encima de todo, sus valores.

Finalmente, reflexiones colaterales entorno a lo entendemos como privacidad, y cómo esto determina las relaciones con nuestro entorno en la sociedad contemporánea. Y dos referencias cinematográficas: una clásica, LA VENTANA INDISCRETA y, otra autóctona, el cortometraje argentino imperdible titulado MEDIANERAS.