27 de diciembre de 2011

LAS 11 DE LA LISTA





Las más recordadas, no sé si las mejores, del año que está por terminar. Son once más una. La 12 marca tendencia, me atrevería a decir consolidación, de que el cine argentino está más vivo que nunca. Conviven en este año películas de toda índole que se abren a cualquier género y sin contar con los tanques pesados. El resto de producciones marcan dos conclusiones a bote pronto:


1. Los clásicos son los clásicos: Almodóvar y Eastwood. Maestros que no decepcionan. La polémica, en cambio, recayó en otro grande, Malick y EL ARBOL DE LA VIDA.


2. El eterno regreso. Supongo que en momentos de crisis la industria tira de valores seguros. Esta vez la colección de películas vuelven a los 80 con todo, desde pirañas a extraterrestres entrañables.


Veamos, pues:


1. LA PIEL QUE HABITO de Pedro Almodóvar, ESP


El director manchego estrena una genialidad, sólo reservada para unos pocos. El mejor síntoma del cine de Almodóvar, a día de hoy, es que filma lo que quiere y cómo quiere. La obsesión del director es dirigir una película que hable de lo mismo pero que mantenga el interés en el espectador. Esta vez, un thriller. Lo consigue con una película imperfecta. Doble genialidad.



2. COPIA CERTIFICADA de Abbas Kiarostami, FRA-ITA-BEL

La inevitable europerización del director iraní es sorprendente en su planteamiento. La película invita a jugar al espectador. Todo es más fácil si se lo propone, en pantalla, la mirada de Binoche. Y en el transfondo de todo esto una reflexión entorno a tantas cosas. Kiarostami pinta un cuadro, colores y texturas, el espectador lo contempla.


3. SUPER 8 de J.J. Abrams, EEUU

Abrams cumplió su sueño. Rodar una película, apadrinada por el maestro Spielberg, que resucita una forma de entender el cine: la historia y sus personajes son el epicentro. La tentación es grande si a tu disposición cuentas con el mayor de los presupuestos y todo el desarrollo tecnológico en cuanto a efectos digitales. Abrams no cae en la trampa, conoce bien cuáles son los recursos disponibles y dónde plantar emociones. Abrams se convierte con SUPER 8 en alumno aventajado de Steven.

4. PAUL de Greg Mottola, EEUU-RU

En la galaxia hay un ET gamberro. Ése es Paul. Homenaje a lo freak de Mottola, el director de SUPERBAD, al cine ochentoso de aventuras. Se suman a la cita los ultrasolicitados Nick Frost y Simon Pegg, protagónicos y co-guionistas. El humor inglés neutraliza cualquier despropósito de la gamberrada yanqui, y nada de golpes bajos ni melancolías fuera de lugar, tal y como nos tienen acostumbrados otros directores.

5. INSIDOUS de James Wan, EEUU-CAN

La película de terror del año. La escena más terrorífica del año es de fantasmas que aparecen de día. Frente a tantos destinos finales y actividades paranormales, Wan firma una película que juega con mínimos recursos en las ligas mayores de las grandes producciones de terror. Rescata un cocktel de temas (posesiones, apariciones, dramas psicológicos, etc.) y lo presenta con una cierta ingenuidad que incomoda al espectador. Mucho Lynch y Carpenter al mismo tiempo.

6. THE HANGOVER 2 de Todd Phillips, EEUU

Reconozcamos que hacer la misma película dos veces tiene su mérito y, además, en un corto lapso de tiempo. Se trata del mismo director y elenco de actores que cambiaron Las Vegas por Bangkok. Hablamos, pues, del remake de THE HANGOVER de Todd Phillips y dirigido por él mismo. Convengamos que ese simple hecho ya es una locura. Y es que la segunda parte es mucho más loca, ya conocemos a cada una de las bestias y todo sale, incluso, más redondo.

7. DRIVE de Nicolas Winding Refn, EEUU

Un danés dirige una película norteamericana de los 70, de acceso restringido a festivaleros e internautas empedernidos. Mientras tanto, el actor Ryan Goslin se postula a hacer carrera en Hollywood haciendo de samurai en carreras de coches con música tecno. Los 70 reviven en forma de western contemporáneo. Una delicia.

8. HEREAFTER de Clint Eastwood, EEUU

Eastwood deja de lado el más allá. Le interesa el más acá, porque fue lo que propuso a lo largo de toda su filmografía. Como gran director se permite flirtear con lo fantástico, a modo de divertimento, que se diluye en los primeros minutos de metraje, sólo colándose las visiones de los protagonistas de ese más allá difuso con luz blanca imponente. El final está acorde con el cine de Eastwood. Una resolución minimalista, la cuál difiere del comienzo desbordante, en la que sus protagonistas vuelven al equilibrio y dónde la vida “se vive” en el presente.

9. INSIDE JOB de Charles Ferguson, EEUU

Tarea difícil lo de explicar la crisis financiera. Fergurson lo intenta, y el resultado es satisfactorio. Como si se tratara de un jeroglífico, dicho documental necesita, posiblemente, de más de un visionado. Hay que descifrarlo y llegar a una revelación demoledora. El gobierno al que voté no me representa. Ese gobierno es una marioneta en manos de las grandes corporaciones. Dicha declaración en un documental ganador del Oscar y producido por una major llegó a todo el mundo.

10. EL HOMBRE QUE PODIA RECORDAR LAS VIDAS PASADAS / TIO BOONME de Apichatpong Weerasethakul, TAI

La tradición, la naturaleza ó la reencarnación son temas que transitan el metraje de la película, pero lo hacen de una forma dónde los sonidos tienen la misma significación que las mismas imágenes. Y dónde la apuesta por dar una explicación a todo, tan presente en nuestros días, queda hecha añicos. Y los fantasmas que nosotros vemos para el Tío Boonmee son los espíritus que le ayudan a entender (el final de) la vida y la muerte. Así de simple. Sin secretos. Con misterios.

11. PIRAÑA 3D de Alexandre Aja, EEUU

La propuesta de Aja, apunta a secuela, que junto a DEPREDADORES de Nimród Antal con producción del mexicano Robert Rodríguez (otro que encontró la inspiración en los 80, dícese PLANET TERROR), devolvieron la dignidad a un género maltrecho en los últimos tiempos con tanta tecnología. Un grito sacude la platea de los cines: ¡Más sangre y menos juegos del miedo!

12. BONUS TRACK: CINE ARGENTINO.

AMATEUR de Néstor Frenkel

EL ESTUDIANTE de Santiago Mitre

FRANCIA de Adrián Caetano

FASE 7 de Nicolás Goldbart

MEDIANERAS de Gustavo Taretto

LOS MARZIANO de Ana Katz

17 de noviembre de 2011

MEDIANERAS

MEDIANERAS de Gustavo Taretto, ARG-ALE-ESP, 2011



Me verás volar
por la ciudad de la furia
donde nadie sabe de mí
y yo soy parte de todos.


[En la ciudad de la furia_Soda Stereo]


La opera prima de Gustavo Taretto sobrevuela la ciudad de Buenos Aires. La metrópolis argentina es la protagonista. El director tenía la receta. Un corto, casi mediometraje, multipremiado que planteaba cómo la vida urbana atentaba contra la comunicación. Un ingrediente, muy perceptible en el último cine argentino de jóvenes talentos, que trata de darle a la película una visión sociológica urbana con tono de comedia sana, potenciada con transfondo romántico, para que la cosa tenga algo de comercial y no caiga batiburrillo pseudo-documental. Así, el director llega a la conclusión de que la ciudad la habitan personas solas que deambulan buscando algo que no saben. Y, de ese modo, tenemos una película pequeña que se paseó por diferentes festivales, incluido el Premio del Público en Berlín en la edición de este año. Para que lo entendamos, vean uno de esos laberínticos dibujos de dónde está Wally y ya está. Lo que pasa que esa ciudad se llama Buenos Aires y tiene, alguna que otra, especificidad arquitectónica muy conveniente, todo sea dicho de paso, para el relato. Y es que Buenos Aires da para una y mil historias.

MEDIANERAS tiene todo lo bueno y lo malo de una opera prima de estas características. Toda la pasión del mundo por ser la primera película y cierto regodeo, por no decir alargamiento innecesario, en el metraje final. Primero, la pasión del cineasta principiante. El director pone toda la carne en el asador. En ese sentido, es honesto con el espectador. Utiliza los recursos que tiene y los pone a disposición de su historia, que conoce e intenta perfeccionar. Segundo, hagamos todo lo posible para llegar a los 90 minutos. Esas reglas que están por fuera del cortometraje, como una estimada duración comercial, hace que se tomen licencias previsibles que calcen en una película como ésta. Suele pasar que el paso del director de corto exitoso al largo sea todo un ejercicio traumático. Aquí sumamos que la película cuenta la misma historia que el corto. La cuestión es puramente narrativa. Ahí radica el problema: alargo el corto.

La película de Taretto cumple el cometido. Entretiene mientras, por debajo, tiene como dispositivo una simpática crítica social a la vida urbana. El prólogo inicial tiene una impronta literaria con condimentos de género documental. Como si de un cirujano se tratara, disecciona la ciudad y las personas que la habitan. A través de sus edificios se describe a la sociedad que habita esa ciudad. Quilombo, caos en una jungla de furia, impactante la escena del suicido del perro, en la que las personas se enfrentan a soledades, desengaños e infelicidades. Quizás la ciudad sea el mejor lugar para combatirlas.


12 de noviembre de 2011

SOLIDARIDAD CON PANAHI


Solidaridad y reclamo por la condena al director iraní Jafar Panahi en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

Hoy a las 11:30h en el Muelle del Festival ubicado en la Rambla de la Plazoleta Almirante Brown se realizó un pedido de solidaridad y reclamo por la condena del director iraní Jafar Panahi de quién se está presentando en el Festival This is Not a Film.

Estuvieron presentes entre otros, directores, actores, productores y miembros de la industria cinematográfica e invitados al festival como: el actor norteamericano Willem Dafoe junto a su mujer, la directora Giada Colagrande; los directores Joe Dante y Victor Kossakovsky y el actor Juan Palomino y el presidente del Festival José Martínez Suarez.

This Is Not a Film su última realización, se presenta en esta edición del Festival, es no sólo la película filmada por quien tiene prohibido hacerlo sino la carta urgente que manda al mundo el hombre a quien el gobierno de su país acababa de condenar a seis años de prisión y veinte de inhabilitación para filmar. Pena que la Justicia de su país acaba de ratificar hace apenas días, haciendo caso omiso de los pedidos, reclamos y protestas del mundo entero.

Jafar Panahi, realizador de cine que en 1995 ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cannes por la película El globo azul y en 2000 el León de Oro en Venecia por El círculo, pasará los próximos seis años privado de su libertad. Así lo ha decidido un tribunal iraní que además le prohíbe abandonar el país y hacer películas durante los próximos veinte años.

Panahi, de 50 años, fue arrestado en marzo de 2010 después de mostrar públicamente su apoyo a Mirhossein Musavi durante las disputadas elecciones que dieron la victoria al actual presidente de Irán, Mahmud Ahmadineyad. Unas movilizaciones por parte de la sociedad civil, conocidas como el Movimiento Verde, que Panahi apoyó públicamente y que le ha constado, según su abogada, "la prohibición de realizar películas, escribir guiones, viajar al extranjero o dar entrevistas a medios extranjeros o locales, durante los próximos veinte años".

Después de 88 días de arresto, el realizador empezó una huelga de hambre en protesta de una situación que calificó de "obscena" y de "broma". "Juro por el cine en el que creo que no voy a cesar mi huelga de hambre hasta que se cumplan mis peticiones", aseguraba Jafar Panahi en una misiva que hizo pública la Campaña Internacional por los Derechos Humanos en Irán (CIDHI). El director quedó puesto en libertad el 25 de mayo, tras el pago de una fianza de 160.000 euros.

El caso Panahi movilizó a personalidades del cine como Steven Spielberg o Juliette Binoche y su compatriota, Abbas Kiarostami, aprovechó la presentación en Cannes de su película Copie para cargar contra el régimen de Teherán y mostrar su apoyo a Panahi.

15 de octubre de 2011

CORTAZAR



Julio Cortázar es, sin duda, uno de los autores de lengua española con más adaptaciones cinematográficas. En CUENTOS DE CINE se han querido rescatar cuatro de los mejores relatos del autor que inspiraron películas que el tiempo ha refrendado como clásicos del cine.

Inagura esta selección Los buenos servicios, que da origen a Monsieur Bébé, dirigida por Claude Chabrol. Se compone también del espléndido Las babas del diablo del que se sirve Michenlangelo Antonioni para la imperecedora Blow Up y de El perseguidor que es, para muchos críticos, su mejor cuento y que el mismo Cortázar considera "una pequeña Rayuela", que anticipa y contiene todos los ingredientes y problemas de su celebérrima novela. El perseguidor comparte núcleo argumental con Bird, dirigida por Clint Eastwood. Cierra esta selección Autopista del sur, uno de los relatos más conocidos del autor que fue llevado al cinepor partida doble, nada menos que por Jean-Luc Godard, Week End y por Luigi Comencini, El gran atasco.


CUENTOS DE PELÍCULA, Julio Cortázar, Buenos Aires, Ed. Del Nuevo Extremo, RBA, España, 2007.


20 de septiembre de 2011

HOLLYWOOD LEAKS



Un nuevo grupo de piratas informáticos ha unido esfuerzos para revelar los datos confidenciales de los actores de Hollywood y la millonaria maquinaria que está detrás de la principal industria del cine comercial.

Ellos se hacen llamar Hollywood Leaks (HL) y ya han cumplido con algunas de sus misiones, desde el robo de guiones de los grandes estudios y de fotografías de las estrellas, hasta penetrar las redes sociales, para llevar a la luz lo que en apariencia debe permanecer oculto.

HL se presenta como una rama del grupo de hackers Anonymous, pero persiguen diferentes objetivos. ”Estamos acá simplemente para facilitar el flujo libre de informaciones desde un sitio que ha sido hasta ahora demasiado descuidado, Hollywood”, indican en su sitio web www.hollywoodleaks.com.

No contentos con asegurarse notoriedad, Hollywood Leaks lanza sus amenazas para mantener informados a sus posibles víctimas de los que les puede suceder de aquí en adelante. “Estamos en posesión de guiones todavía confidenciales y de suficiente cantidad de números de celulares y de direcciones de mail como para que los teléfonos no dejen de sonar por mucho tiempo”.

Información abierta
Las primeras acciones de sabotaje se iniciaron a mediados de agosto del 2011 cuando anunciaron en Twitter la difusión del guión del filme ‘Rock of ages’, de Tom Cruise. ¿Cómo lo consiguieron? Interceptaron el email de Peter Shankman, director de la película, quien envió el guión a los protagonistas. Horas más tarde se promocionaba en The Pirate Bay.

De los diálogos en papel, también han pasado a la difusión de números telefónicos, celulares y fijos, de algunos artistas del momento, entre ellos, Jenny Grath, Chris Judd, DJ Drama, Joey Fantone y Miley Cyrus.

La rapera Kreasyhawn probó una cuota de lo que es capaz ese grupo cuando se encontraba en plena ceremonia de los MTV Video Music Awards. Los infiltrados se apoderaron de su cuenta de Twitter, desde la cual compartieron a los cibernautas fotos de la cantante desnuda.

El actor Cris Judd, ex esposo de la Jennifer López, también cayó en manos de ‘los Anonymous de la farándula’ al publicar su número telefónico de celular. “Es como un robo de identidad. ¿Pero cómo enfrentar a gente así?”, expresó el ex de JLo.

Según el visitado sitio TMZ.com, especialista en chismes de Hollywood, otras víctimas han sido Jessica Alba, Christina Aguilera, Vanessa Hudgens y Scarlet Johansson, aunque estas no hayan aceptado que su privacidad ha sido vulnerada.

Las fuentes especializadas en dar primicias del espectáculo, como Deadline, la propia TMZ.com y hasta el mismísimo Perez Hilton, el blogero de las celebridades, ya tienen un competidor difícil de torcer.


Fuente larepublica.pe


Bajar información ROCK OF AGES 2012

Bajar Teléfonos de Celebridades

HOLLYWOOD LEAKS

16 de septiembre de 2011

COPIA CERTIFICADA



El simple hecho de situarnos frente al cartel de la primera película europea del director iraní, y verlo, nos plantea dudas y certezas. Esa imagen corresponde a uno de los fotogramas en el que la bella Juliette Binoche, que interpreta a Elle, se arregla frente al espejo del baño de un pequeño restaurante de la Toscana italiana. Mientras tanto, James Miller, escritor interpretado por William Shimell, espera. Suponemos, porque no lo vemos. Elle se pinta los labios, se acomoda el pelo y se prueba un pendiente rojo almodovariano. Ella nos mira. Nosotros la contemplamos. ¿Somos espejo? ¿Ella es un reflejo? ¿A quién estamos viendo?

Kiarostami plantea el juego. Lo volverá a repetir en los instantes finales. En este caso, James mira, lo miramos, otro espejo, o no, otra ventana al espectador, o no. Kiarostami propone adivinar en su cine, dónde el espectador asiste a una copia entre realidad y ficción de la vida misma. Y en ese descubrimiento, vivenciamos e interpretamos lo que estamos viendo en la pantalla. El epicentro del cine del iraní es la observación, es decir, el espectador como observador de unas imágenes.

El ejercicio de dilucidar si es realidad o ficción es lo que seduce en COPIA CERTIFICADA. Esa duda, en una expresión artística como el cine que es puro artificio, permite al espectador, siempre paciente, estar vivo en la película de Kiarostami. Y eso es una proeza. Aromas, colores y sensaciones se hacen presentes. Son la llave para convertir una película en algo perceptible.

Observar, percibir, vivir. Experiencia y placer de la mirada. Detrás de todo eso una historia. Reflejo, copia, de la vida misma. Reproches, frustraciones y, por suerte, esperanzas. Detrás de todo drama hay una ventana abierta que nos está esperando. COPIA CERTIFICADA es todo eso y la sonrisa de Binoche.



COPIE CONFORME de Abbas Kiarostami, FRA-ITA-BEL, 2010

30 de agosto de 2011

SUPER 8

SUPER 8 de J.J. Abrams, EEUU, 2011



Abrams tiene la fórmula del éxito: el misterio. Si a eso le añadimos que vivimos una época de crisis en la que remitimos, constantemente, a los tiempos pasados fueron mejores, SUPER 8 se convierte, de inmediato, en un clásico de los mismísimos 80. Vayamos, pues, por partes:

- El director, alumno ejemplar del maestro Spielberg, fija a lo desconocido como centro de sus historias. Lo hizo con las exitosas series LOST y ALIAS, produjo la monstruosa CLOVERFIELD y dirigió SUPER 8. Todas las campañas de publicidad, muchas de ellas de carácter viral, tenían como objetivo despertar el interés del público en un misterio por descifrar. Y algo sobrenatural sobrevuela cada uno de sus enigmas. Una de las recetas mágicas del bueno de Steven.

- Volver, volver, volver. Un eterno regreso a la década de los 80, en la que el cine era pura aventura. Y dónde los chavales eran protagonistas de historias inimaginables, tanto a la hora de descubrir secretos y vivir la adolescencia. Los conflictos personales de los chicos tiene el mismo peso que las historias por resolver. Y la familia. Siempre la familia. Algo inherente como tema en el cine del director de E.T.

- La emoción por encima de todo. Abrams recoge el guante. Su cine es con efectos especiales y no de efectos especiales. Abrams cuenta una historia en la que los sentimientos ocupan un lugar primordial en el devenir de los hechos. Y no al revés. Abrams escapa de un cine de fuegos artificiales. Un plano en el que un abrazo es el centro y no la nave espacial.

SUPER 8 es misterio, aventura y emoción. Ingredientes de un cine clásico que se agradece en tiempos de sofisticadas historias y vueltas malabares de guión. La película de Abrams, la primera escrita por él, no es un homenaje a un tipo de cine en una década determinada, es cine por los cuatro costados.




10 de agosto de 2011

INSIDE JOB

INSIDE JOB de Charles Ferguson, EEUU, 2010




DEMOCRACIA CERO



El documental de Fergusson es un ejercicio de pedagogía sobre la crisis financiera global. Eso lleva consigo una serie de obstáculos. Entre ellos, cómo abordar un tema de difícil comprensión y cómo explicarlo, a través de la descripción de causas y consecuencias, al público en general. Cae, pues, dicha propuesta en una serie de tecnicismos que frente al alto ritmo de exposición puede causar desorientación y abatimiento en el espectador.

El actor Matt Damon, narrador, como si del mismísimo agente Bourne se tratara, intenta dar consistencia a datos, argumentos, hipótesis y constataciones severas. Así, de este modo, la narrativa del documental se aleja del espectáculo Michael Moore y pone todo el peso en las entrevistas a toda una serie de técnicos sobre la materia. Casi la totalidad de los involucrados no aparecen en la película. Esos silencios tienen significado. En ese momento el director echa mano del material de archivo para dejarlos en evidencia.

Si Michael Moore persigue a los delincuentes, intenta ponerlos por sorpresa frente a la cámara y que, al menos, por unos instantes pasen vergüenza, Fergusson plantea el drama de la frustración. El foco está en el modelo, el sistema. Una forma de hacer las cosas que está por encima de las personas. Su mirada es más analítica y, al mismo tiempo, global.

La frustración de no entender el por qué. La causa de la indignación. El debacle de la representatividad. Dos aspectos a los que apunta el discurso de INSIDE JOB se centran en dos instituciones fundamentales en el sistema democrático: el Estado y la Universidad. Las dos atravesadas por la corrupción.

Como si se tratara de un jeroglífico, dicho documental necesita, posiblemente, de más de un visionado. Hay que descifrarlo y llegar a una revelación demoledora. El gobierno al que voté no me representa. Ese gobierno es una marioneta en manos de las grandes corporaciones. Dicha declaración en un documental ganador del Oscar y producido por una major llegó a todo el mundo.






22 de julio de 2011

TANGO


Es virtualmente imposible que, después de varios tangos, dos cuerpos no empiecen a conocerse. En esa sabiduría, en ese desarrollo del contacto se diferencia el tango de otros pasos de baile que mantienen a los bailarines alejados entre sí o sólo les permiten roces fugaces que no hacen historia. El abrazo del tango es sobre todo comunicación, y si hubiera que adjetivarla diría comunicación erótica, un prólogo del cuerpo-a-cuerpo que luego vendrá, o no, pero que en ese tramo figura en los bailarines como proyecto verosímil. Y cuanto mejor se lleve en el baile la pareja, cuanto mejor se amolde un cuerpo al otro, cuanto mejor se correspondan el hueso del uno con la tierna carne de la otra, más patente se hará la condición erótica de una danza que empezó siendo bailada por rameras y cafishos del novecientos y que sigue bailada por el cafisho y la ramera que unos y otras llevamos dormidos en algún rincón de las respectivas almitas y que se despiertan alborozados y vibrantes cuando empiezan a sonar los acordes de El choclo o Rodríguez Peña.

Así, los sucesivos tangos de aquella noche, que no fue mágica sino muy terrestre, permitieron que mi cuerpo y el de Mariana se conocieran y desearan, se complementaran y necesitaran. Cuando, tres días después, nos despojamos de todo ropaje y nos vimos tal cual éramos, el desnudo textual nos trajo pocas novedades. Desde el quinto tango nos sabíamos de memoria. Algún detalle nuevo (un lunar, siete pecas, el color de los vellos fundamentales) era poco menos que subsidiario y no modificaba la imagen primera, la esencial, la que la disponibilidad sensitiva de cada cuerpo había transmitido a los archivos de la imaginación. La memoria del cuerpo no cae nunca en minucias. Cada cuerpo recuerda del otro lo que le da placer, no aquello que lo disminuye. Es una memoria entrañable, más, mucho más generosa que el tacto ya desgastado de las manos, harto contaminadas de rutina cotidiana. El pecho que toca los pechos, la cintura que siente cintura, el sexo que roza sexo, toda esa sabrosa red de contactos, aunque se verifique a través de las sedas, casimires, algodones, hilos o telas más bastas, aprenden rápida y definitivamente la geografía del otro territorio, que llegará, o no, a ser amado, pero que por lo pronto es fervorosamente deseado. Después de todo, el germen del amor tendrá mejor pronóstico si se lo siembra en el surco del deseo. ¿Dónde habré leído esto? A lo mejor es mío. Lo anoto para el tema de un cuadro (sin relojes): El surco del deseo. Tal vez suene demasiado literario. Pero no. Debe mostrar a una pareja que baila tango. Sólo eso. El surco del deseo. Nada más. Que el público imagine.

[Mario Benedetti_La borra del café]

18 de julio de 2011

L.A. NOIRE



Rockstar Games y Team Bondi han conseguido que un evento cinematográfico llamado L.A. NOIRE llegue al mundo de las videoconsolas. El juego marca un hito de 25 horas y revoluciona el universo del entretenimiento digital. Los de Rockstar vienen, desde hace tiempo, trabajando en el concepto de hacer cine en cada uno de sus lanzamientos. Con GTA fijaron la estrategia a través del thriller y después llegaron RED DEAD REDEMPTION, western postmoderno, y el último, el mejor hasta la fecha, el film noir interactivo.


Una nueva forma de ver cine. Con L.A. NOIRE estamos frente a un título que vislumbra un futuro inmediato, en el que nos convertimos en espectador y protagonista a la vez. El crecimiento exponencial de la industria del videojuego nos hace vislumbrar un cambio que ya se está produciendo frente a nosotros, este sí, mucho más importante que el mismísimo 3D. El género cinematográfico encontró una nueva oportunidad. Y Rockstar nos propone, después del western, el cine negro.


En L.A. NOIRE encontramos un prodigioso guión, un deslumbrante diseño artístico y un respeto sin igual por el lenguaje cinematográfico geunino, el clásico. Porque en el juego de Rockstar están presentes en cada uno de sus fotogramas películas como Encadenados, Sed de mal, Cuerpo y alma, La jungla de asfalto, Cayo Largo, Perdición, Atraco perfecto, El sueño eterno ó Callejón de las almas perdidas.


¡Tanto cine en la Play!


11 de julio de 2011

SEGUNDO DE CHOMON



El prestigioso Festival Il Cinema Ritrovato de Bolonia, que, como cada año, premia las mejores ediciones en DVD a nivel mundial. Este año ha ido a parar a "Segundo de Chomón 1903-1912. El cine de la fantasía," edición pionera y eternamente esperada dedicada a este gran director español de la historia del cine, responsable de films mágicos, coloreados a mano y cuya técnica empleada en los efectos especiales ha llevado a encumbrar el cine nacional en lo más alto. Como no podía ser de otra forma, hemos entrado por la puerta grande, ofreciendo en colaboración con la Filmoteca de Catalunya, una edición de 144 minutos divididos en 31 destacadas piezas, que se ve completada con la música especialmente creada para la ocasión por Joan Pineda, y con un libro de 112 páginas (en tres idiomas) que contiene un ensayo de Joan M. Minguet, además de los créditos de cada pieza y 12 archivos diferentes provistos de impresiones restauradas. Todo ello lo hacemos en un sentido homenaje a Segundo de Chomón, en una edición que en el Festival de Bolonia se ha impuesto incluso al todopoderoso Criterion.

Segundo de Chomón es una figura fundamental de los primeros años de la historia del cine. Empezó su trayectoria en Barcelona, en 1902, coloreando películas. En 1905 se va a París y en poco tiempo se convierte en uno de los técnicos más importantes de la Pathé Frères. Especializado en cine de atracciones: fantasmagorías, brujos, transformaciones inverosímiles y sustituciones maravillosas, mundos de una imaginación desbocada por los que es conocido como el Méliès español.

En definitiva, una excepcional muestra del mejor cine primitivo desde 1903 a 1912 que ya está a vuestra disposición en los principales establecimientos.

Os dejamos con el palmarés del Festival Il Cinema Ritrovato de Bolonia


MEJOR DVD 2010 / 2011:

"Segundo de Chomón 1903-1912. El Cine de La Fantasia." Una producción de Cameo y Filmoteca de Catalunya

MEJORES EXTRAS:

"The Night of the Hunter" (Criterion).

LA CONTRIBUCIÓN MÁS ORIGINAL A LA HISTORIA DEL CINE


Orphans 7 – A Film Symposium (New York University’s Orphan Film Symposium,(www.orphanfilmsymposium.blogspot.com)


MEJOR REDESCUBRIMIENTO DE UN FILM OLVIDADO:

Premio ex-aequo para "Max Davidson" (www.edition-filmmuseum.de) Y "Female Comedy Teams" (www.edition-filmmuseum.de)

MEJOR BOX SET:

Premio ex-aequo para "3 Silent Classics" de Josef von Sternberg (www.criterion.com) y "La Naissance de Charlot – The Keystone Comedies 1914 di Charlie Chaplin" (Lobster – Arte – BFI - Cineteca di Bologna – Flicker Alley/UCLA: www.franceculture.com)

MEJOR BLU-RAY:

"The BBS Story" (Criterion:www.criterion.com)








[cameo.es]






5 de julio de 2011

PAUL


PAUL de Greg Mottola, EEUU-REU, 2011


El cine de Mottola es un cine de freaks repleto de aventuras. PAUL es una aventura freak a lo grande, un cóctel de referencias a una cultura retro que se hace fuerte en los tiempos que corren y que es el síntoma del que pasado está más vivo que nunca. Entre las muchas remakes y adaptaciones en cine y televisión, se estrena este año SUPER 8 de J.J. Abrams, con producción de Spielberg, otro ejemplo con reminiscencias de las películas de Tobe Hooper, Robert Zemeckis ó Joe Dante.

PAUL, el extraterrestre es un freak más. Su gamberrismo, alter ego de Seth Rogen que le pone voz, lo hace el más humano de todos, como casi todos los personajes en las historias de Mottola, como el inconmensurable Bill Hader. El alienígena se suma a los dos compañeros de viaje amantes del cómic y la ciencia ficción que, además de ser ingleses, descubren un nuevo mundo, como si de extraterrestres se tratara, llamado América Profunda. PAUL ayudará a todos ellos a superar sus miedos y a fortalecer su autoestima.

Los protagonistas, Nick Frost y Simon Pegg también son guionistas, y el resto de criaturas descubren, cada uno de ellos, un mundo nuevo. Ese viaje les cambia, porque la última película de Mottola es una road movie. Además es una aventura llena de acción que gana en ritmo a medida que avanza el metraje. Todo ello condimentado con el humor, esta vez más físico.

PAUL es un homenaje a una forma de entender el cine como entretenimiento, estrechamente vinculado al final de la década de los 70 y principios de los 80, dónde Spielberg y Lucas patentaron un estilo que, a día de hoy, sigue en su máximo apogeo. Mottola cuida al máximo los recursos en cuanto a efectos especiales y, de forma sorpresiva, la película nunca cae en la parodia. Ese hecho hace que esta película tenga muchos puntos de contacto con el cine de Kevin Smith.

PAUL es la prueba, en forma de cómic, de que ET de Spielberg sigue estando vivo en aquellos jóvenes de la generación ochentosa que crecieron, se emocionaron, tal vez por primera vez, en la pantalla grande y que, es una posibilidad, se les despertó la curiosidad de hacer cine. Mottola es uno de ellos.

29 de junio de 2011

PELICULAS PARA DESCUBRIR

El gran François Truffaut decía que a veces faltaba al cine para ir a la escuela , asunto presente en su primera y sorprendente película, Los 400 golpes (1959). Pero Antoine Doinel, su álter ego , ya no necesitaría escaparse: a partir de hoy el cine ingresa oficialmente a las aulas de las escuelas secundarias con el libro La película que me marcó , en el que 18 directores argentinos (Juan José Campanella, Leonardo Favio, Lucrecia Martel y otros) cuentan qué películas modificaron sus vidas y por qué un adolescente debería verlas. [Clarín]




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17 de junio de 2011

THE HANGOVER PART 2

THE HANGOVER PART II de Todd Phillips, EEUU, 2011



Reconozcamos que hacer la misma película dos veces tiene su mérito y, además, en un corto lapso de tiempo. Se trata del mismo director y elenco de actores que cambiaron Las Vegas por Bangkok. Hablamos, pues, del remake de THE HANGOVER de Todd Phillips y dirigido por él mismo. Convengamos que ese simple hecho ya es una genialidad. La cosa es más profunda de lo que parece a primera vista y es que las apariencias engañan:

- Más allá de la primera impresión, fácil y superficial, de una realización gamberra y desvergonzada con despedida de soltero, podríamos decir que, sin lugar a dudas, estamos frente a uno de los ejercicios cinematográficos más solventes a la hora de defender la tolerancia, la libertad y la rebeldía.

- Phillips plantea una lectura adulta a un simple juego de niños. Lo narra otra vez más a través de un viaje y, de forma específica, se centra en el personaje de Stu, interpretado por Ed Helms. Si en Phil y Alan hay aceptación, en Stu hay transformación. Ése es eje y centro de THE HANGOVER 2.

- El exceso nos despoja de nosotros mismos, de nuestras vidas, incluso de los recuerdos. La vida no tiene sentido si no recordamos lo vivido. Un planteamiento que subyace a la trama de la película.

- Sorprende el desparpajo a la hora de repetir el mismo guión que la anterior película. Sorprende, aún más, que la misma fórmula funcione a la perfección. Las situaciones son similares, se cambian figuras, escenarios y se intensifican gags.

- Trastoca al espectador ávido que frente a las aventuras y desventuras que subyacen al conflicto, los personajes no tengan como herramienta la experiencia del viaje a Las Vegas como patrón para avanzar en la resolución. Pero en la película de Phillips no hay héroes. En la película de Phillips hay un alegato de las masculinidad, dónde los hombres, una y otra vez, repiten los mismos errores, eso sí, viviéndolos desde el respeto por la “manada” por encima de todo.

Dado el éxito de público y crítica seguro que los chicos repitan viaje. Se rumorea que el próximo será en Amsterdam y que se olvidarán de todo.


15 de junio de 2011

JORGE SEMPRUN [1923-2011]


No soy un auténtico español, ni un auténtico francés; no soy un escritor, ni soy un político. Soy sólo un superviviente de Buchenwald.

He visto cómo algunos de mis compañeros en el campo se extinguían poco a poco. A las cuatro de la mañana suena la sirena. Ha pasado la noche. Te levantas, vas al baño, te lavas con agua fría. Después ves al camarada que desde hace seis meses duerme a tres filas de distancia. Lo observas, y su mirada ha cambiado durante la noche: mira como un musulmán. Yo sobreviví. Por casualidad. Era fuerte y bastante resistente. Llegué al límite de la extenuación, pero me quedé a este lado. Unos meses más y no sé qué habría sido de mí.

Sobreviví, entre otras razones, por la curiosidad natural de los veinte años. Por la curiosidad de saber qué universo era ése, kafkiano, complicado, con leyes no escritas, pero absurdamente imperativas. La curiosidad es la condición de supervivencia que tanto subraya Primo Levi.

La escritura y los escritores son los únicos capaces de mantener vivo el recuerdo de la muerte. Si no se apoderan ellos de la memoria de los campos de concentración, si no la hacen revivir y sobrevivir mediante su imaginación creadora, se apagará con los últimos testigos, dejará de ser un recuerdo en carne y hueso de la experiencia de la muerte.

En español hay un hermoso verbo que no existe en francés: ensimismarse, entrar en sí mismo. Ortega y Gasset desarrolló toda una teoría al respecto: quien no es capaz de estar consigo mismo, no puede comunicarse con su entorno. En mí eso puede durar veinte segundos, puede ser una cadena de asociaciones que aparece de repente. Puede estar provocada por un recuerdo triste o un miedo repentino. Y entonces me pierdo. No es inquietante recluirse en sí mismo. Esa capacidad, incluso, me ayudó a soportar el campo de concentración.

Hago hacer a mis personajes cosas que yo no pude hacer, pero que podría haber hecho y que podrían haber sucedido. También cosas que me habría gustado vivir. Modifico lo vivido, lo prolongo, escribiéndolo. Coloreo una realidad que apenas era un boceto. ¿Esto es novelesco o un recuerdo? No lo sé, se confunde.

Durante veinte años he intentado ser comunista. Pero no de salón: comunista en lo práctico y en lo teórico, con cargos de responsabilidad, no para presumir de haber estado en los salones de Louis Aragon. Luego, gran parte de mi vida ha consistido en destruir todo eso. No traicionarlo sino destruirlo, en el sentido de dejar de ser un buen comunista para ser un demócrata y un anticapitalista radical.

El capitalismo vive en la crisis y se nutre de la crisis. Las aprovecha para seguir desarrollándose. Ninguna manifestación ni ninguna revolución podrá eliminarlo. Eso sólo podría conseguirlo el propio capitalismo.

La sociedad europea, incluso la mundial, necesita de la izquierda. Las organizaciones y las ideas tradicionales de la izquierda están agotadas, es claro. Pero la posición de izquierda es una necesidad moral, política, casi me atrevería a decir ontológica. Ser de izquierda es para mí el conocimiento de que la sociedad es digna y capaz de mejorar, y la apasionada voluntad de llevar a la práctica ese conocimiento. No se puede cimentar una sociedad exclusivamente sobre la libertad de los consumidores.

Hay que considerar el reformismo una revolución permanente. No es un juego de palabras.

Creemos que la democracia está arraigada en nuestro entorno. Pero si repasamos la historia del siglo XX, vemos que la democracia es algo combatido a diestra y siniestra como el enemigo principal. Y hoy tiene problemas nuevos. La democracia es frágil, capituladora. Se salvó de milagro en Europa.

El amor, es decir, el esforzarse por un diálogo, es más bien cosa de mujeres; los hombres están más bien a solas consigo mismos.

El mal no desaparecerá mientras haya humanidad. El mal es una de las posibilidades que le da al hombre el ser libre, es un subproducto de la libertad humana. Mientras el hombre sea libre, también será libre para hacer el mal. Esta es, para mí, una certeza metafísica.

Yo creo que hay valores por los cuales hay que dar la vida, y la libertad es uno de ellos. Si no arriesgamos la vida por la libertad, seremos esclavos. Si ningún pueblo, sociedad, grupo, minoría, hubiera arriesgado la vida por la libertad, la justicia o la fraternidad, seguiríamos en una sociedad esclavista o no habríamos salido del despotismo oriental.

A mi vida sólo la puedo contar yo. Quizá diga esto por vanidad, orgullo o engreimiento. Pero así es: sólo puedo escribirla yo.

El tiempo transcurre mucho más deprisa cuando eres viejo. Y no me queda mucho. Cuando tienes veinte años y crees que sólo tienes cinco por delante, es casi toda una vida. A mi edad, cinco años no son nada. Y por otro lado, hoy ya no veo los signos de la muerte. Esto genera inseguridad. Antes me encontré con la muerte y pude evitarla. En Madrid, por ejemplo, cuando acudía a una cita, tenía a veces la sensación: podría ocurrir ahora, te va a echar el guante. Ahora la muerte ya no se me muestra. Esa puta se ha enmascarado. Se ha hecho invisible.

Jorge Semprún nació en Madrid en 1923, se exilió con la Guerra Civil y formó parte de la Resistencia francesa hasta que fue detenido por la Gestapo y deportado al campo de Buchenwald, donde sobrevivió dos años hasta la liberación. Militó clandestinamente en España en el Partido Comunista hasta que fue expulsado, en 1964. Por entonces comenzó su carrera literaria. El largo viaje, La escritura o la vida, La montaña blanca, son algunos títulos de entre la veintena de libros que escribió, originalmente en francés. Fue, además, ministro de Cultura de Felipe González y guionista cinematográfico de Resnais y Costa-Gravas, entre otros. Murió el martes pasado en París, a los 87 años.
Las citas están tomadas de diversas entrevistas y artículos, así como de Lealtad y traición, la biografía de Franziska Augstein (Tusquets).



[Página12_Radar_12/6]



7 de junio de 2011

TIO BOONMEE

LOONG BOONMEE RALEUK CHAT de Apichatpong Weerasethakul, TAI, 2010


EL HOMBRE QUE PODÍA RECORDAR SUS VIDAS PASADAS


El director tailandés de nombre indescifrable parece que sorprendió al jurado del Cannes de 2010. Tampoco es un dato menor que el jurado que le concedió el mayor galardón, la Palma de Oro, estuviera presidido por Tim Burton. Este año, por ejemplo, ganó, según cuentan, el último prodigio de Malick. Resulta que la película calza mucho más con el escarizado Robert De Niro, el actor que encabezaba este año la decisión. Como si de un pop-up se tratara, podríamos abrir otra ventana al costado reflexionando del peso que tiene la composición de los jurados de los festivales y quiénes los presiden a la hora de elegir los premios.

Esas decisiones son, en ocasiones, muy distantes a la crítica presente y el público asistente a este tipo de eventos cinematográficos. Dichas discrepancias y polémicas se convierten, en muchos caos, en el morbo de cada festival. Más allá de la connotación puramente comercial, lo romántico de todo esto es descubrir nuevas propuestas y sensaciones en el arte llamado cine. Lo novedoso es que muchas de las películas que programan en un festival real se encuentran en los confines de la red virtual.

Volvamos al Tío Boonmee. Mejor dicho, empecemos con la película de Weerasethakul algo más cercano a una experiencia onírica, en la que reina el mundo metafórico de una cultura, forma de entender las cosas, muy diferentes de nuestra conciencia occidental. Ese es un tipo de cine, de narrativa, por fuera, al margen que nos sorprende. Incluso, nos aburre, nos provoca, nos encandila, nos escandaliza o nos hipnotiza. Todas estas situaciones se explican porque no entendemos. La información suministrada no dispone de la codificación, del envase que conocemos y eso nos deslumbra ó nos sumerge en la oscuridad. El cine del tailandés exige un estadio superior, un paso al costado y dejarse llevar. ¿Estamos preparados para ello? Los jurados de los festivales del mundo nos lo exigen.

La tradición, la naturaleza ó la reencarnación son temas que transitan el metraje de la película, pero lo hacen de una forma dónde los sonidos tienen la misma significación que las mismas imágenes. Y dónde la apuesta por dar una explicación a todo, tan presente en nuestros días, queda hecha añicos. Y los fantasmas que nosotros vemos para el Tío Boonmee son los espíritus que le ayudan a entender (el final de) la vida y la muerte.

Así de simple. Sin secretos. Con misterios.


23 de mayo de 2011

¡INDIGNAOS!






Yo también nací en 1917. Yo también estoy indignado. También viví una guerra. También soporté una dictadura. Al igual que a Stéphane Hessel, me escandaliza e indigna la situación de Palestina y la bárbara invasión de Irak. Podría aportar más detalles, pero la edad y la época bastan para mostrar que nuestras vivencias han sucedido en el mismo mundo. Hablamos en la misma onda. Comparto sus ideas y me hace feliz poder presentar en España el llamamiento de este brillante héroe de la Resistencia francesa, posteriormente diplomático en activo en muchas misiones de interés, siempre a favor de la paz y la justicia.

¡INDIGNAOS! Un grito, un toque de clarín que interrumpe el tráfico callejero y obliga a levantar la vista a los reunidos en la plaza. Como la sirena que anunciaba la cercanía de aquellos bombarderos: una alerta para no bajar la guardia.

Al principio sorprende. ¿Qué pasa? ¿De qué nos alertan? El mundo gira como cada día. Vivimos en democracia, en el estado de bienestar de nuestra maravillosa civilización occidental. Aquí no hay guerra, no hay ocupación. Esto es Europa, cuna de culturas. Sí, ése es el escenario y su decorado. Pero ¿de verdad estamos en una democracia? ¿De verdad bajo ese nombre gobiernan los pueblos de muchos países? ¿O hace tiempo que se ha evolucionado de otro modo?

Actualmente en Europa y fuera de ella, los financieros, culpables indiscutibles de la crisis, han salvado ya el bache y prosiguen su vida como siempre sin grandes pérdidas. En cambio, sus víctimas no han recuperado el trabajo ni su nivel de ingresos. El autor de este libro recuerda cómo los primeros programas económicos de Francia después de la segunda guerra mundial incluían la nacionalización de la banca, aunque después, en épocas de bonanza, se fue rectificando. En cambio ahora, la culpabilidad del sector financiero en esta gran crisis no sólo no ha conducido a ello; ni siquiera se ha planteado la supresión de mecanismos y operaciones de alto riesgo. No se eliminan los paraísos fiscales ni se acometen reformas importantes del sistema. Los financieros apenas han soportado las consecuencias de sus desafueros. Es decir, el dinero y sus dueños tienen más poder que los gobiernos. Como dice Hessel, “el poder del dinero nunca había sido tan grande, insolente, egoísta con todos, desde sus propios siervos hasta las más altas esferas del Estado. Los bancos, privatizados, se preocupan en primer lugar de sus dividendos, y de los altísimos sueldos de sus dirigentes, pero no del interés general”

¡INDIGNAOS!, les dice Hessel a los jóvenes, porque de la indignación nace la voluntad de compromiso con la historia. De la indignación nació la Resistencia contra el nazismo y de la indignación tiene que salir hoy la resistencia contra la dictadura de los mercados. Debemos resistirnos a que la carrera por el dinero domine nuestras vidas. Hessel reconoce que para un joven de su época indignarse y resistirse fue más claro, aunque no más fácil, porque la invasión del país por tropas fascistas es más evidente que la dictadura del entramado financiero internacional. El nazismo fue vencido por la indignación de muchos, pero el peligro totalitario en sus múltiples variantes no ha desaparecido. Ni en aspectos tan burdos como los campos de concentración (Guantánamo, Abu Gharaib), muros, vallas, ataques preventivos y “lucha contra el terrorismo” en lugares geoestratégicos, ni en otros mucho más sofisticados y tecnificados como la mal llamada globalización financiera.

¡INDIGNAOS!, repite Hessel a los jóvenes. Les recuerda los logros de la segunda mitad del siglo XX en el terreno de los derechos humanos, la implantación de la Seguridad Social, los avances del estado de bienestar, al tiempo que les señala los actuales retrocesos. Los brutales atentados del 11-S en Nueva York y las desastrosas acciones emprendidas por Estados Unidos como respuesta a los mismos, están marcando el camino inverso. Un camino que en la primera década de este siglo XXI se está recorriendo a una velocidad alarmante. De ahí la alerta de Hessel a los jóvenes. Con su grito les está diciendo: “Chicos, cuidado, hemos luchado por conseguir lo que tenéis, ahora os toca a vosotros defenderlo, mantenerlo y mejorarlo; no permitáis que os lo arrebaten”.

¡INDIGNAOS! Luchad, para salvar los logros democráticos basados en valores éticos, de justicia y libertad prometidos tras la dolorosa lección de la segunda guerra mundial. Para distinguir entre opinión pública y opinión mediática, para no sucumbir al engaño propagandístico. “Los medios de comunicación están en manos de la gente pudiente”, señala Hessel. Y yo añado: ¿quién es la gente pudiente? Los que se han apoderado de lo que es de todos. Y como es de todos, es nuestro derecho y nuestro deber recuperarlo al servicio de nuestra libertad.

No siempre es fácil saber quién manda en realidad, ni cómo defendernos del atropello. Ahora no se trata de empuñar las armas contra el invasor ni de hacer descarrilar un tren. El terrorismo no es la vía adecuada contra el totalitarismo actual, más sofisticado que el de los bombarderos nazis. Hoy se trata de no sucumbir bajo el huracán destructor del “siempre más”, del consumismo voraz y de la distracción mediática mientras nos aplican los recortes.

¡INDIGNAOS!, sin violencia. Hessel nos incita a la insurrección pacífica evocando figuras como Mandela o Martin Luther Kingo. Yo añadiría el ejemplo de Gandhi, asesinado precisamente en 1948, año de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, de cuya redacción fue partícipe el propio Hessel. Como cantara Raimon contra la dictadura: Digamos NO. Negaos. Actuad. Para empezar, ¡INDIGNAOS!




[José Luis Sampedro]




19 de mayo de 2011

SI LA COSA FUNCIONA

WHATEVER WORKS de Woody Allen, EEUU-FRA, 2009



¿Por qué Allen recupera el mejor tono de su cine en WHATEVER WORKS? La respuesta es Larry David, su alter ego. Allen vuelve a hacer de Allen. Allen vuelve a Nueva York. Mientras hizo otras cosas en los últimos años, la crítica se le echó encima. Sin compasión. Dónde hubo amor, incluso devoción, se reivindicó el odio más desacerbado. Sin respeto.

El prolífico director-autor se propuso filmar película por año. Sin tregua. Y eso, en los tiempos que corren, es un insulto a la industria que marca la agenda. Allen molesta. La honestidad no abunda en el mundo que vivimos. Allen demuestra que es humano, con sus virtudes y defectos, película tras película. Nadie mostró en la pantalla de una forma tan elocuente sus miserias, frustraciones e histerias. WHATEVER WORKS es todo eso, una vez más.

Woody Allen retirado de la actuación encontró al televisivo Larry David, creador de la comedia SEINFELD. En ella, el monólogo inicial de Jerry era el disparador para la historia que nos contarían después. Se trata de la misma construcción que propone Allen en su cine y, en particular, en esta película. Ésta abre con el discurso, dirigido al espectador, de Boris, el personaje interpretado por Larry que es Allen, al mismo tiempo que Seinfeld es lo más parecido a Allen en la pantalla pequeña. En todo sentido, el destino estaba escrito, el encuentro inevitable de los dos talentos: Woody y Larry.

Todos quieren trabajar con el bueno de Allen. Muchas actrices y actores desean participar, incluso disminuyendo considerablemente su caché, en la última del director norteamericano. De ahí, la importancia tanto de los protagónicos y secundarios en la narrativa de Allen. Una vez más la maquinaria funciona. Si bien, la fuerza que imprime Larry David cada vez que aparece en pantalla es la principal baza, el resto de actores se suman con determinación y asumen su papel importante en la historia. Se divierten y lo comparten con el espectador.

Vuelve Allen a su cita anual. Esta vez no viene solo.


12 de mayo de 2011

DERECHOS HUMANOS



El Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos apunta a generar un espacio para la difusión de material audiovisual comprometido con la realidad social que motive el pensamiento crítico, genere conciencia e incentive el debate acerca de los derechos humanos.

Se busca, en esta XIII edición, prestar particular atención a la gran variedad de producciones cinematográficas que desde diferentes puntos de vista celebren la diversidad de la Madre Tierra y denuncian su paulatino aniquilamiento. Si no reconocemos el papel crucial de la naturaleza en apoyo de la vida en la Tierra, no podremos comprender la profunda relación entre la defensa de los derechos humanos y el ambiente.

La programación de esta XIII edición cuenta con alrededor de 70 títulos, de 30 países distintos. De diferentes géneros, incluyen desde animaciones a documentales y ficciones. Entre las competencias oficiales de Largometrajes y Cortos y Mediometrajes se cuentan alrededor de 20 títulos nacionales e internacionales, muchos de ellos estrenos, realizados entre el 2009 y el 2011. El jurado está compuesto por renombradas figuras nacionales e internacionales del mundo del Cine, de la Cultura y de la lucha por los derechos humanos.

En el formato del Festival se incluyen debates, mesas de discusión, investigaciones y reuniones entre el público y los autores, con la participación de especialistas, personalidades y organizaciones reconocidas de la sociedad civil abriendo la participación a todos aquellos que quieran sumarse a nuestra misión.


Secciones:
Madre Tierra, Infancia y Juventud, Memoria, Migrantes, Miradas de Género, Panorama, Foco Colombia, Foco Medio Oriente, Retrospectiva Enrique Piñeyro, Retrospectiva Cine Argentino de Derechos Humanos, Ventana Nápoles




6 de mayo de 2011

STAR WARS



Esta semana se revelaron los secretos del set de Bluray de la saga Star Wars que se pondrá a la venta dentro de unos meses. A continuación los detalles:


Todas las películas en widescreen con 6.1 DTS Surround Sound:

DISCO UNO – STAR WARS: EPISODE I THE PHANTOM MENACE 


•Audio comentario con George Lucas, Rick McCallum, Ben Burtt, Rob Coleman, John Knoll, Dennis Muren y Scott Squires 

•Audio comentario de Archival Interviews con elenco y staff 


DISCO DOS – STAR WARS: EPISODE II ATTACK OF THE CLONES

•
Audio comentario con George Lucas, Rick McCallum, Ben Burtt, Rob Coleman, Pablo Helman, John Knoll y Ben Snow 

•Audio comentario de Archival Interviews con elenco y staff


DISCO TRES – STAR WARS: EPISODE III REVENGE OF THE SITH

•
Audio comentario con George Lucas, Rick McCallum, Rob Coleman, John Knoll y Roger Guyett
•Audio comentario de Archival Interviews con elenco y staff 



DISCO CUATRO – STAR WARS: EPISODE IV A NEW HOPE

•
Audio comentario con George Lucas, Carrie Fisher, Ben Burtt y Dennis Muren 

•Audio comentario de Archival Interviews con elenco y staff 



DISCO CINCO – STAR WARS: EPISODE V THE EMPIRE STRIKES BACK 


•Audio comentario con George Lucas, Irvin Kershner, Carrie Fisher, Ben Burtt y Dennis Muren
•Audio comentario de Archival Interviews con elenco y staff


DISCO SEIS – STAR WARS: EPISODE VI RETURN OF THE JEDI 


•Audio comentario con George Lucas, Carrie Fisher, Ben Burtt y Dennis Muren 

•Audio comentario de Archival Interviews con elenco y staff 



DISCO SIETE – NUEVO STAR WARS ARCHIVES: EPISODES I-III 


•Escenas borradas, extendidas y alternas; cambios en maquetas y vestuario; pinturas y arte conceptual’entrevistas complementarias; una visita a los archivos de Lucasfilm y más. 



DISCO OCHO – NUEVO STAR WARS ARCHIVES: EPISODES IV-VI 


•Escenas borradas, extendidas y alternas; cambios en maquetas y vestuario; pinturas y arte conceptual’entrevistas complementarias; una visita a los archivos de Lucasfilm y más.


DISCO NUEVE – THE STAR WARS DOCUMENTARIES 


•NUEVO Star Warriors (2007, Color, Apx. 84 minutos)
•
NUEVO A Conversation with the Masters: The Empire Strikes Back 30 Years Later (2010, Color, Apx. 25 minutos) – Con George Lucas, Irvin Kershner, Lawrence Kasdan y John Williams 

•NUEVO Star Wars Spoofs (2011, Color, Apx. 91 minutos) – Bromas y parodias famosas como Family Guy, The Simpsons, How I Met Your Mother y más
•
The Making of Star Wars (1977, Color, Apx. 49 minutos)
•
The Empire Strikes Back: SPFX (1980, Color, Apx. 48 minutos)
•
Classic Creatures: Return of the Jedi (1983, Color, Apx. 48 minutos)
•
Anatomy of a Dewback (1997, Color, Apx. 26 minutos
-Star Wars Tech (2007, Color, Apx. 46 minutos)

3 de mayo de 2011

AMATEUR


AMATEUR de Néstor Frenkel, ARG, 2011


LA MEMORIA



Frenkel, el director, cuenta que conoció a Jorge Mario, el protagonista de AMATEUR, en los viajes a Federación durante la producción de su película anterior CONSTRUCCION DE UNA CIUDAD. Ese hecho le llevó a pasar de una historia coral, toda una comunidad tuvo que abandonar su pueblo por la construcción de una presa, a una historia mínima. Esa misma que, al igual que su anterior documental, rescata la memoria.

Acostumbrados en los últimos tiempos a la memoria reciclada, todas las producciones retro-remake de Hollywood, AMATEUR es una bocanada de aire fresco y una contribución, un homenaje comprometido a los amantes del cine y una muestra de la sociedad contemporánea argentina. Y la última de Frenkel es un también un western. Un solo ante el peligro, un cowboy a medianoche en la era digital de alta definición, dónde la tecnología lo hace todo fácil.

La tecnología, a la vez que facilita las cosas, lo acelera todo y nos hace esclavos de ella. Jorge Mario nos enseña todo lo contrario. La cámara de Súper-8 se convierte en testigo de su vida, de sus sueños y frustraciones. Eso es el cine. Jorge Mario nos demuestra con su historia de vida que soñar es posible y que hay que vivir como sea. Entusiasmo y pasión son la receta que nos regala el protagonista.

Mientras tanto, Frenkel maneja el detalle como nadie. Se detiene en el gesto, la mirada y los silencios. Lo hace entre el documento y la ficción. Ese estilo se agudiza en AMATEUR después de haberlo mostrado en BUSCANDO A REYNOLDS y CONSTRUCCIÓN DE UNA CIUDAD. Ofelia, la esposa de Jorge, es la otra protagonista de la película. Para Frenkel es tan importante como el mismo Jorge que con aires narcisistas llena la pantalla. Sin Ofelia no hay personaje(s) Jorge Mario. Sin una sola palabra, Ofelia se convierte en parte fundamental en el desarrollo de la historia. En Ofelia reside el cine de Frenkel.

El primer tercio de película es casi autónomo. Como si se tratara de una de las historias de BALNEARIOS de Mariano Llinás, un narrador hace memoria, y nos describe como durante mucho tiempo se captaron esas imágenes que se convirtieron en recuerdos. Como esas imágenes ocupan un lugar inamovible, algo tan difícil en la catarata de pixels que inundan hoy nuestras retinas. Como esas imágenes retratan momentos inolvidables…y de cómo esa cámara fue testigo.




19 de abril de 2011

CATERPILLAR



CATERPILLAR de Kôji Wakamatsu, JAP, 2010

LA CONDENA


La palabra que mejor define la película del director japonés Wakamatsu es condena. Ésta se muestra en diferentes capas de significación. CATERPILLAR nos sumerge en una historia que narra las consecuencias de la guerra. El director lo hace de forma minimalista y claustrofóbica. Para nuestra sorpresa la lectura de su película va más allá de las miserias de una esposa que recibe a su marido mutilado.

La creación: Wakamatsu en una entrevista responde a la pregunta de por qué hace películas. Además de ganarse la vida con ello, aparece otro motivo: “hay cosas que me enfadan, me irritan, así que utiliza la película para expresar sus sentimientos”. La condena se hace fílmica.

La guerra: CATERPILLAR condena la guerra. Se convierte, pues, en un alegato antibelicista. Ya lo hacían JOHNNY COGIO SU FUSIL (Dalton Trumbo, 1971), ADIOS A LAS ARMAS (Frank Borzage, 1932) ó NACIO EL 4 DE JULIO (Oliver Stone, 1989).

La mujer: La condena se define como forzar a alguien a hacer algo penoso. La esposa está condenada a asistir al Dios de la Guerra en vida. Y está sola. Lo vive como mandato. Después de superar la negación, aceptará su nueva situación. Los que están alrededor (ancianos, niños, esposas y loco) mirarán a otro lado y se esconderán tras el patriotismo.

La culpa: El soldado, héroe de guerra, vive en la prisión que es su cuerpo mutilado. No son sólo heridas de batalla, son el castigo por su pasado. Se arrastra por el suelo, sin extremidades como una oruga, buscando redención. El asesino no tiene perdón.

La denuncia: La mayor condena de un pueblo son sus dirigentes. Wakamatsu hace uso de imágenes documentales para profundizar en su crítica. Eso fue lo que le provocó rabia y que le llevo a filmar su película. Director militante.



14 de abril de 2011

BAFICI ONLINE [IV]

Caterpillar de Kôji Wakamatsu, JAP, 2010



Wakamatsu estrenó hace un par de años este film ambientado durante la Segunda Guerra Mundial en un pequeño pueblo de su país. Este melodrama de contundente espíritu antibélico describe el regreso al hogar de un soldado que ha perdido las piernas, los brazos y el habla. Mientras en el lugar se lo venera como un dios de la guerra, su esposa sufre en la intimidad por su aterradora imagen y por sus exigencias y desplantes. El film expone también los abusos de los soldados nipones contra las mujeres y las consecuencias del nacionalismo exacerbado de la sociedad de su país. Caterpillar se reitera, por momentos, y hasta cae en algunas torpezas y subrayados, pero está narrado con una furia y una valentía que lo convierten en un trabajo muy importante no sólo dentro de la prolífica filmografía del iracundo director, sino del cine japonés en su conjunto. [Diego Batlle_OtrosCines]

¿Por qué hace películas? ¿Por qué? Las hago porque quiero hacerlas - para mí, así como para cualquier persona que ve mis películas y siente un odio hacia la guerra. Y también para ganarme la vida. El punto de partida es cuando me enojo.Hay cosas que me enfadan, por lo que simplemente expresar mis sentimientos a través de este dispositivo llamado una película. [Wakamatsu]


Ver Película


13 de abril de 2011

BAFICI POLÉMICA

El pasado 29 de marzo OTROSCINES publicaba una nota titulada 'BAFICI 2011: Gran éxito de la venta anticipada de entradas'. En ella se vertiron toda una serie de comentarios críticos al Festival. La nota duró en portada 12 horas. Desapareció en el entramado del sitio dirigido por Diego Batlle. A continuación se reproducen algunas de esas ideas. ¿El detonante? El pase de TORRENTE 4 de Santiago Segura. Matin Tacceti 30.03.11 - 10:16:40 hs. Torrente 4 - Lethal Crisis en el BAFICI? Festival internacional de cine independiente? lo último se podría quitar... Segura es un capo!! pero me parece que no pega ni con cola en el Bafici. Pero bueno las estrellas se necesitan... Saludos Andres 30.03.11 - 10:44:45 hs. Jajajaaj que gracioso! Se agotaron funciones de películas que se van a estrenar en menos de un mes!!!!! Manga de giles!!!! Lean un poco!!!!!!! Diego Batlle 30.03.11 - 11:01:17 hs. Andrés: hay dos formas de ver este fenómeno (que se agote lo que se estrena). Uno, el que vos planteás, que es ridículo ver eso y perderse cientos de películas que nunca se van a estrenar. La otra, es que la gente ve antes y por 10/12 pesos, cosas por las que después tener que pagar 25, abrazo Andres 30.03.11 - 12:02:08 hs. Diego, es muy buena tu observación, aunque no creo que lo hagan para abaratar costos. A mí me parece que la gente que se avalanza para sacar entradas de películas que se estrenarán en el circuito comercial en poco tiempo, lo hace porque les gusta esa dinámica de ver las películas antes que los demás. Hay algo en el espectador (sea cinéfilo o no) que necesita ver las películas antes que otros, como lo hacen los criticos. Insisto: hay algo snob de eso de "yo la vi en el BAFICI hace dos meses atrás...." Saludos! Ale 30.03.11 - 12:24:11 hs. Sí, es increible. Se agotan las entradas para las películas que se estrenan enseguida después del festival. Y encima una de ellas es Torrente 4. Seguro se agota antes la de Franchela que la de Godard. Saludos, Nakin 30.03.11 - 13:41:27 hs. ¿Y qué hacemos aquellos que no tenemos acceso a la info de cuales de estas pelis se van a estrenar? y además, ¿qué seguridad hay de que se estrenen siendo que esas grillas cambian continuamente? Si comparten la información nos enteramos todos. De todas formas, adhiero a la hipótesis del snob que solo va al Bafici para decir que fue. Lamento que después no sostengan este afan cinéfilo todo el año. Saludos! Oscar Arnauda 31.03.11 - 11:24:03 hs. Me llama poderosamente la atención la falta de criterio y ausencia de crítica por parte del espectador del Bafici, cada vez más mediocre en sus elecciones y vendido a los fastos del consumo. No olviden la sede central del festival, el Hoyts Abasto, es un "shopping". ¿Qué tiene de cine independiente TORRENTE 4 de Santiago Segura? ¿Saben con qué presupuesto contó dicha película? ¿Quién es Santiago Segura? ¿Pagar 12 pesos para ver a un payaso? ¿Y el cine? ¿Para cuando abonos que permitan acceder a descuentos a los compradores compulsivos? ¿Para cuando compra online sin intermediaros que viven de comisiones? ¿Para cuando una programación estable en una ciudad que demanda cine por todos lados? ¿Para cuando un paro de espectadores frente al Gobierno de Buenos Aires? Falta sentido común y sobra fanatismo consumista. ¿No les parece? Andrés 31.03.11 - 13:01:09 hs. Sigamos por el camino que planteo Oscar Arnauda. 1- El BAFICI es un evento cultural financiado por el Estado (en este caso, le toca al de Macri sin bigote). 2-Está claro que el Gobierno del sin bigote tiene pocas ganas de destinar presupuesto a la actividades de esta índole. 3-Toda política cultural proveniente de un Estado no debe pensarse en recuperar ganancia$, es muy trillado pero la difusión de la cultura es una de las obligaciones del Estado. 4-Se nota a la legua que Macri, con su visión empresaria carroñera, busca reembolsar el "gasto" en políticas culturales (si es que se les pueden llamar así) por eso la venta on line es a través de una empresa intermediaria. 5-Yo mismo saqué las entradas vía tuentrada-y-tecobrocomisión.com y estoy arrepentido porque pagué en comisiones el equivalente a 6 entradas más. Encima, la atención en los puntos de ventas es mediocre y totalmente centralizado, nadie puede perder de su vida más de 2 horas en sacar 6 entradas para ir al cine. Hacemos con el BAFICI lo mismo que para sacar entradas de un River-Boca. No hay diferencia entre cinéfilos e hinchas de fútbol. Todos pertenecemos al mismo rebaño y por adorar un sistema, olvidamos los matices más oscuros. 6-Apoyamos y valoramos la existencia del BAFICI a muerte, pero ¿a qué costo? Reafirmo lo que dice Arnauda: falta sentido común y sobra fanatismo consumista. Mr Arkadin 31.03.11 - 13:24:34 hs. Claro que Torrente no tiene nada de independiente, tampoco es la única que voy a ver. Pero no entiendo porque el enojo desmedido, desde el primer baific hubo estrenos comerciales. Además, me viene bárbaro entre medio de película para despejar la cabeza. Tomas un vino, después necesitas un vaso de agua para sentirle el gusto del proximo vino.... Tampoco es tan dramático. Es medio tonto pensar que el concepto del Bafici está en tela de juicio porque dan Torrente. Mejor discutamos porque el bafici todavía no es autártico, justamente, un festival de cine independiente. Javier 31.03.11 - 13:38:40 hs. che, Oscar Arnauda, lo tuyo es insólito. Para empezar, no se entiende qué tiene que ver que el Abasto sea un shopping. Explicate, Trotsky, porque no entendemos. Adentro del shopping me parece que funcionan unas salas con una calidad de imagen y sonido que son ideales para ver películas. Carísima la entrada, eso no te lo discuto. Pero salen igual que las del Atlas Gral Paz, que se ve como el ojete -aunque seguro no está vendida "a los faustos del consumo" (¿?). Por otro lado, ¿para vos "cine independiente" tiene que ver con el presupuesto de cada película? ¿Sabés, genio, cuánto costó la última de Herzog? ¿O la de Kiarostami? Se me hace que con el sueldo de la Binoche pagamos toda la producción de la competencia argentina... ¿Cambia algo que esté o no Torrente, cuando además -ADEMÁS- tenés como 300 títulos para hacerte el "independiente"? Y lo del "paro de espectadores" es genial. Gracias por tanto. Oscar Arnauda 31.03.11 - 13:44:56 hs. Mr. Arkadin. El BAFICI no debería necesitar de un TORRENTE. Algo hace ruido. Hablemos de decisión política y presupuesto, y de cómo estos dos aspectos influyen en la programación. ¡Seamos críticos! ¡Dejemos de lado las marcas, en este caso BAFICI, y hablemos de políticas culturales en el Gobierno de Macri (tal y como apunta Andrés Martín)! TORRENTE 4, y en 3D, le está quitando el lugar a una película que no tendrá la posibilidad de ser vista en esta ciudad. TORRENTE sí, porque es un producto meramente comercial del Sr. Segura que sabe mucho de negocios...como Macri. Mr. Arkadin. Es DRAMÁTICO que con el dinero público se subvencione el visionado de películas como TORRENTE. Insisto, seamos críticos por una vez. Diego Batlle 31.03.11 - 13:56:09 hs. Me parece que la inclusión o no de Torrente 4 no cambia en lo más mínimo ni la calidad ni el perfil del BAFICI, que de todas maneras siempre ha elegido alguna comedia guarra entre sus más de 300 largos. Hay una sola pasada de Torrente 4 y en verdad es para aprovechar que Segura ya venía a BsAs traido por su distribuidora (y porque le encanta Buenos Aires) para promocionar el estreno comercial, que es al toque del festival. No me parece una decisión tan terrible, pero entiendo a los "puristas". Igual al festival no le cuesta un centavo. Mauricio Gasparini 31.03.11 - 13:59:18 hs. Javier, genio (snob) sacate la remera el BAFICI!!!! Ya sacaste para ver la última de Francella? Javier 31.03.11 - 14:17:07 hs. ah, Mauricio, vos sos de los que piensan que los que van al Bafici son "snobs". Otro genio... Yo veo películas, amigo, no diferencio lo "independiente" de lo que no, o el "cine iraní" de "la última de francella", y tampoco busco lo que "no programaron" o "lo que no tiene que estar", cuando hay cientos de opciones. Por otro lado, este Bafici en los papeles me parece el menos interesante en mucho tiempo, para tu información. De todas maneras quizás te lo pierdas, porque ahí vos no vas, no sos snob. abrazo Andres 31.03.11 - 14:18:12 hs. Creo que se está desviando la discusión. No pasa porque venga Segura y pasen Torrente. El problema (al menos para mí) va más allá de la programación, es organizacional. Es que por adorar al BAFICI (que bien merecido lo tiene) permitimos que los espectadores (grandes responsables de lo que significa hoy el Festival) no veamos circunstancias que complican no sólo el acceso al Festival sino también su futuro. El BAFICI creció (y mucho) pero da la sensación que la estructura que lo rodea se estancó. El presupuesto y la independencia del Festival (reitero: en cuanto a organización) también. Lo que supo ser el caballito de batalla de los actuales responsables del BAFICI en otras ediciones, hoy ya ni se menciona. ¿O acaso no llamó la atención que en la conferencia de prensa ni Lobardi ni Wolf mencionaron algo del proyecto de autarquía del Festival? Muchachos, dejemos de lado a Torrente, a Francella y miremos la letra chica del BAFICI... Saludos y gracias por el espacio! Raúl Camargo 31.03.11 - 14:26:07 hs. Más allá de la inclusión de Torrente, creo que ustedes en Argentina debiesen ponderar de mejor manera el lujo de poder decidir si ciertas películas las ven el el Bafici o luego en la cartelera. Que Uncle Boonmme y Herzog se agoten es una notable noticia, y que a su vez se exhiba comercialmente Le Quattro Volte y Copie Conforme luego del festival es mejor noticia aún. Deben de ser el único país latinoamericano que puede jactarse de ello. Saludos desde Chile. R. Oscar Arnauda 31.03.11 - 14:57:49 hs. Javier, ¿tanto revuelo? No hay forma de justificar la presencia en la programación de TORRENTE 4 en un FESTIVAL DE CINE INDEPENDIENTE. No hay forma. No hay forma de justificar la política cultural en esta ciudad del Sr. Macri. No hay forma. Javier, no diste ni un sólo argumento. Una pena... Diego, hagamos crítica de festivales, programaciones, decisiones políticas...o hay intereses que nos imposibilitan plantear un debate abierto sobre la responsabilidad a la hora de difundir cine. Un festival de estas características tiene que defender, como sea, su definición como tal. Ver películas fuera del circuito comercial. TORRENTE tiene dinero, difusión planetaria, dvd, bluray, web, remera y un Sr. Segura que viene a vacacionar gracias al dinero de los porteños. Javier, Diego...hagan ¡crítica! Suscribo lo de Mauricio, por suerte, Gasparini. ¡Fuera remeras! Javier 31.03.11 - 15:43:16 hs. Oscar, NO HAY una política cultural clara de Macri. "Cultura" y "Macri" no entran en una misma oración. El Bafici no tiene que ver con Macri, existe independientemente de él, o de quién sea, ya tiene su historia y hay que tener bolas para liquidarlo. Si Macri tuviera las bolas necesarias debería seguir lo que dicta su mente: terminar con el festival. Ni a él ni a su gente les importa el cine, aunque me vengan a decir lo contrario. Así que en eso tenés razón, no hay forma de justificar una política cultural que no es tal. Pero en lo de Torrente pifiás. No hay que justificar nada, porque esa película no merece una justifiación. Es un plus, supongo que está en carácter de pre esetreno, como alguna vez estuvo uno de Wes Anderson o de Paul Thomas idem (¿o me vas a decir que esas son más "independientes" desde el punto de vista de la producción?). Al lado de la programación es un despropósito, lo entiendo, no soy necio. Pero que haya una o dos funciones no resta absolutamente nada. Unicamente resta si uno piensa en que alguien "se pone la remera" o no se la pone. Eso es una pavada, por favor oscares y mauricios del mundo. Como lo es puntualizar en una película que no tiene que estar o porque falta otra que debería estar, tanto en el Bafici, como en Mar del Plata. Porque el mejor argumento para dar contra eso es: ¿vos viste el resto de las películas? Si vos te clavás 50 películas al azar en el festival y después me decís que la programación es un desastre, es válido. Pero mariconear porque está Torrente y de ahí saltar a la política cultural? ¿Y a qué venía eso de que el Abasto es un shopping? ¿Dónde centralizarías vos el festival? Me interesa. Porque alguna vez me lo pregunté y puteé, como todos -como vos- por eso, pero después de 13 años me doy cuenta que es un buen lugar para esto. Lucas 31.03.11 - 16:08:29 hs. Javier: El problema no es el shopping. El problema es que lamentablemente no hay un espacio adecuado. Pasaron 13 años y nada. Esto demuestra la ineficacia del Estado. Pero que irónico que es el destino: recuerdo la tapa de El amante con tomatazo incluido ante el estreno de El código Da Vinci quejándose de los asfixiantes tentáculos de las multisalas, mientras que desde hace años, parte de los integrantes de esa revista programan el BAFICI en el HOYTS, complejo multisala por excelencia. Al parecer, del amor al odio hay un solo fotograma… Oscar Arnauda 31.03.11 - 16:16:29 hs. Javier, totalmente de acuerdo. Con lo de Macri y lo del "shopping". Es un lugar perfecto...junto a McDonalds y Lacostes. Perfecto. ¿Vamos de compras? ¿Centralizar? ¿Alguién pensó en descentralizar de forma razonable? Ah, bueno, y comparar Segura con Wes Anderson, por ejemplo. Para empezar, Segura no tiene filmografía...nos vende un producto perfecto para ver con hamburguesa y bebidas gaseosas. ¿No será que lo de Torrente concuerda con el gusto de algunos programadores del festival, editores de relevantes revistas de crítica, que propusieron como la mejor película de 2010 a JACKASS 3D? Javier 31.03.11 - 16:58:56 hs. Dale, Oscar, hacé algo por el pueblo y armate un domo con Macri y sus muchachos donde vos quieras, y hagan el Bafici ahí. Descentralizá. Yo te banco. Por ahora que se haga en el abasto a mi no me jode, aunque esté cerca de ese mundo tan cipayo y capitalista que nos rodea como McDonalds (con lo que sale una hamburguesa ahí te hacés varios patys en tu casa, no?), total yo puedo elegir dónde comprar. Yo no comparo Segura con Anderson, papá. Pero hablás de independencia desde el punto de vista del presupuesto. Hablás de guita, finalmente. Si una película es cara o está bancada por el Instituto de turno no es independiente. Preguntale a Gwyneth Paltrow cuánto cobró por ponerce una peluca en Los tenenbaum, o cuánto pagó Anderson para que suene tan linda Ruby Tuesday ahí... Por otro lado, sabés que ahora que me acuerdo, cuando fui a ver los Tenembaum había un par de pesados mirando la película comiendo pochoclo y tomando gaseosa. Y eso que no era un "producto perfecto" para eso... Y yo que pensé que era independiente de verdad, se llega a enterar y se muere este Anderson. Cuánta injusticia que hay en el mundo.

11 de abril de 2011

BAFICI ONLINE [III]

The External World de David O'Reilly, ALE-IRL, 2010



The External World es la mejor y más divertida película de animación del año pasado. [El Amante]


La obra maestra de O'Reilly. [Imdb]




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7 de abril de 2011

BAFICI ONLINE [II]

13 assasins de Takashi Miike, JAP, 2010
Bafici Insitu

Remake de una película de 1963, lo nuevo del demente y prolífico Takashi Miike –un viejo conocido del público del Bafici desde que, más de diez años atrás, se vio el comienzo de su saga Dead or Alive– es un drama y una aventura épica de samurais que arranca lentamente y con el correr del relato se va transformando en uno de esos monstruos de acción violentos y absorbentes que solo los mejores autores del cine oriental contemporáneo saben ofrecer. [Radar]

El hiperactivo, ultraviolento, súper-excesivo Miike parece haber dejado varios prefijos por el camino para construir esta película. Y ese camino no es otro que el del samurai, pero antes de que piensen cualquier cosa –si algo aprendimos de Miike es a pensar cualquier cosa–, hay que decir que 13 Assassins no intenta parodiar al cine clásico de samurais ni darle una vuelta de tuerca. No: ésta es una película de samurais en toda regla, con sus personajes de una sola pieza, sus apropiados tonos crepusculares, incluso con más rigor histórico que muchas otras, como queda claro desde el detallista suicidio ritual del principio. Partiendo del film homónimo de 1963, Miike despliega pacientemente su visión de la decadencia del shogunato (a mediados del siglo XIX), centrándose en el sádico señor feudal Naritsugu y el equipo de guerreros, al mando del legendario Shinzaemon, quien tiene por misión asesinarlo. La batalla final ocupa ¡45 minutos! de acción y tensión, carne humana cortada, espadazos errados, barro, sangre: la demostración más virtuosa posible de que Miike sigue teniendo la receta para sorprendernos.[Bafici]

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